Les graffitis en voyage

Sur une vaste étendue de pelouse au pied de la tour Eiffel, un personnage à la casquette de baseball, couvert de peinture, est agenouillé et plante soigneusement de petits piquets de bois dans l’herbe, vérifiant que chacun est aligné à l’aide d’un mètre à ruban.

Les graffitis

C’est un spectacle étrange dans le parc situé sous la principale attraction touristique de Paris, mais dans la cohue du matin, peu de gens s’arrêtent pour se demander ce qu’il fait. Ils continuent tout simplement à piétiner l’herbe, ou laissent leurs chiens y bondir. « Je suis habitué à toutes sortes de dangers pour mon travail », hausse les épaules de l’artiste Saype. « Si ce n’est pas le temps, ce sont les vaches qui marchent dessus, ou les taupes qui surgissent, et ici ce sont les chiens. Je prends ça comme une leçon d’humilité ».

Saype – de son vrai nom Guillaume Legros – est l’une des plus récentes sensations du street art français, un graffeur rural qui, au lieu de travailler en milieu urbain, crée sa propre marque de land art : d’énormes peintures biodégradables sur d’énormes étendues d’herbe à flanc de montagne.

Un art traditionnel

Alors que le land art consistait traditionnellement à construire des œuvres épiques à partir de roches et de matériaux naturels sur le sol ou à tondre et à sculpter des formes dans le paysage, Saype peint à la bombe des images ultra-réalistes de street art de la population locale sur l’herbe elle-même. Son échelle est gigantesque – il couvre d’immenses étendues de champs et de montagnes en utilisant sa propre recette de peinture biodégradable faite maison. Qu’il s’agisse du visage d’une femme dans les Alpes françaises, d’un grand-père géant portant un appareil dentaire sur un flanc de montagne suisse ou d’un enfant dans une clairière russe, ses œuvres sont visibles depuis les airs – une nouvelle forme d’art à l’ère des drones – et ne durent pas longtemps, disparaissant rapidement dans le paysage.

Mais aujourd’hui, Saype revient dans les villes, transformant les parcs en immenses portraits visibles du ciel qui commentent l’urgence climatique ou la crise des réfugiés.

Le jeune homme de 30 ans est le premier artiste à avoir été autorisé à investir les pelouses sacrées du Champ-de-Mars, sous la Tour Eiffel. Dans le cadre de son nouveau projet, Beyond Walls, il peindra à la bombe une série de mains entrelacées sur des centaines de mètres carrés de pelouse. Elles n’auront guère de sens de près, mais seront visibles du haut de la tour.

Symbole de solidarité

Pour lui, c’est une « chaîne humaine » et « un symbole de solidarité à une époque où les gens se replient de plus en plus sur eux-mêmes ». Au cours des trois prochaines années, il peindra des images similaires de mains et de bras s’accrochant les uns aux autres dans des villes du monde entier, de Nairobi à Belfast. Pour lui, il s’agit de « vivre ensemble », de dépasser les frontières et de se souvenir de l’histoire. Ses arrière-grands-parents, résistants français dans les campagnes de l’est de la France pendant la Seconde Guerre mondiale, sont morts après avoir été déportés. « En ce moment, on a l’impression que nous avons tous la mémoire courte, que nous vivons dans une sorte d’atmosphère négative d’avant-guerre avec la crise économique et les gens qui mettent des barrières », dit-il.

Beyond Walls est aussi la première fois qu’il travaille sur un projet avec un journal. Il a produit trois images de mains entrelacées qui seront imprimées à partir de samedi sur les nouveaux emballages biodégradables en amidon de pomme de terre du Guardian, qui emballent les suppléments imprimés du week-end. Saype considère cet emballage écologique révolutionnaire comme un moyen de faire passer ses images « du flanc de la montagne aux maisons des gens ». Si son art éphémère sur l’herbe est destiné à disparaître, il aime l’idée de faire de l’art qui sera composté dans les poubelles des lecteurs du Guardian. « J’aime l’idée qu’il n’en reste rien », sourit-il. « Et ce qui m’intéresse vraiment, c’est la façon dont les gens vont interagir avec lui – comment vont-ils déchirer ce sac ? Je trouve cet acte vraiment intéressant sur le plan symbolique. L’art se retrouvera sur le tas de compost, mais l’image restera dans l’esprit. »

Un mystère absolue

Les images elles-mêmes sont porteuses de leur propre mystère. Les mains qui s’agrippent l’une à l’autre pourraient être un acte de sauvetage, de survie ou d’amitié. L’œuvre provient de photographies qu’il a prises, mais nous ne saurons jamais exactement à qui appartiennent les mains représentées. Saype a délibérément choisi de ne pas le savoir lui-même. Il s’est inspiré du groupe humanitaire SOS Méditerranée et de son travail de sauvetage des personnes en détresse en Méditerranée, la route migratoire la plus meurtrière au monde.

L’année dernière, dans le centre de Genève, Saype a créé une vaste fresque de gazon représentant une jeune fille, la main tendue vers un bateau en papier sur le lac, afin de soutenir leur travail de sauvetage. Pour Beyond Walls, il a installé un appareil photo lors d’une soirée de gala de SOS Méditerannée et a pris des photos de tous ceux qui voulaient se faire photographier les bras et les mains. Parmi eux, des secouristes, des marins, des réfugiés eux-mêmes – beaucoup ayant survécu à la traversée depuis la Libye – mais aussi des hommes politiques et des footballeurs ainsi que la créatrice de mode Agnès B. Il a pris environ 2 000 photos – coupées au niveau du coude – et en a sélectionné quelques-unes sans savoir qui elles étaient. « Les mains racontent toujours une histoire, vous avez des tatouages, des bracelets, les mains de ceux qui ont fait du travail manuel et de ceux qui n’en ont pas fait », explique-t-il. « Chacune de ces mains racontera une histoire mais on ne saura pas d’où elle vient ».

Les artistes de rue européens

De nombreux artistes de rue européens ont grandi dans les cités de l’arrière-pays des capitales, y compris les héros de Saype : le célèbre photographe parisien JR, qui colle des images monumentales sur les immeubles du monde entier, et le célèbre artiste portugais Vhils, qui utilise des marteaux et des perceuses pour graver de vastes visages sur les murs. Mais contrairement à eux, Saype vient d’un petit village de l’est de la France et a travaillé pendant des années comme infirmier. Ses œuvres peintes à la bombe dans des champs avec des vaches transmettent délibérément une innocence rurale.

Saype a grandi à Évette-Salbert, près de la frontière suisse. Sa mère faisait fonctionner des appareils de radiographie dans un hôpital, son père travaillait dans l’informatique. « Enfant, je ne suis jamais allé dans un musée ou une seule exposition », dit-il. Il a commencé à faire des graffitis et à peindre à la bombe à l’âge de 13 ans « comme une sorte de décharge d’adrénaline et une façon d’exister dans la société ». Les graffitis de campagne n’ont pas toujours eu des emplacements évidents. « Au début, il n’y avait que le mur d’un court de tennis ou une maison abandonnée ». Petit à petit, il est passé aux graffitis de la ville la plus proche, « sous les ponts ou les trains ».

À 18 ans, il est assis au fond de son cours de philosophie au lycée et griffonne les formes de lettres qu’il aimerait le plus graffer. Il a réalisé que ces lettres formaient le mot anglais « say » et a ajouté les deux premières lettres de « peace ». Ce mot, Saype, est devenu son nom de guerre.

Rapidement, il s’est mis à réaliser des portraits ultra réalistes, se rendant à Paris pour photographier les gens dans le métro et les peignant ensuite en noir et blanc. Pendant des années, il a combiné l’art de rue avec son travail d’infirmier à plein temps. Il dit que la « confrontation quotidienne avec la souffrance humaine, le vieillissement et la maladie » l’a poussé à continuer à peindre des personnes. Jusqu’à présent, dans son land art, il a peint soit de jeunes enfants, soit des personnes âgées, ces dernières « parce que normalement, on ne voit pas ça dans le street art. »

De l’urbain à la campagne

Il est passé progressivement des murs urbains aux paysages de campagne peints à la bombe. « J’avais l’impression que l’art urbain avait perdu une partie de son sens – il y avait tellement de pollution visuelle dans les villes que plus personne ne voyait vraiment les graffitis », explique Saype. « Je voulais donc trouver un autre moyen d’attirer l’attention des gens ». Il s’agissait aussi de l’urgence climatique. « J’avais lu un article scientifique disant que si nous ne changions pas radicalement notre approche de la nature avant 2020, nous atteindrions un point de non-retour en termes de climat, et nous y sommes maintenant », ajoute-t-il. Mais c’est aussi parce que les drones sont devenus accessibles au public, ouvrant des points de vue depuis le ciel. « On pouvait avoir une autre vision du monde très facilement ».

Il était crucial que sa peinture sur l’herbe ne laisse aucun impact négatif. Saype a passé un an à expérimenter dans le jardin de ses parents la fabrication de peintures biodégradables, en cuisinant d’abord une sorte de pâte de farine et d’eau, qui à la fois collerait à l’herbe et s’avérerait brièvement imperméable. Actuellement, il utilise une recette de craie pour le blanc, de charbon de bois pour le noir, mélangée à des protéines de lait de caséine et à des pigments, tout en cherchant une option totalement végétale.

Ses œuvres, aidées par deux copains d’école de son village, ainsi que par des volontaires de SOS Méditerranée pour le projet parisien, sont des opérations logistiques massives. Conçues pour être vues de loin, les œuvres sont à peine perceptibles de près, d’où la nécessité d’utiliser des marqueurs en bois. « Quand je peins, je ne vois pas ce que je fais. C’est très philosophique : si vous êtes émotionnellement trop proche de quelque chose, vous ne voyez rien. Ce n’est que lorsque vous prenez du recul que la réalité vous frappe. »

Le projet parisien nécessitera plus de 1 300 litres de peinture, des semaines de travail et pourtant, il estime qu’une fois dévoilé le 15 juin, il ne durera que deux jours après que les gens l’auront piétiné. Tout cela fait partie de la « performance artistique », comme il l’appelle.

« J’ai toujours cherché à marquer l’esprit et la mémoire des gens, sans laisser de traces. Que les gens se réapproprient mon travail en le piétinant, ce n’est pas un problème pour moi. Je peins sur quelque chose d’impermanent, qui change constamment », dit-il. « Je peins, je reviens le lendemain et c’est différent. Les gens disent que c’est éphémère, éphémère. Mais c’est ce que je veux dire – tout ne l’est-il pas ? »

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